La Compagnie Cap sur Scène montera cette superbe pièce en partenariat avec le TMLI (Thomas More pour le Leadership Intégral, https://www.tmli.org/), qui s’appuie sur l’exemple de Saint Thomas More et fait rayonner son œuvre.

Ma mise en scène s’efforcera de souligner trois aspects qui me semblent essentiels dans cette pièce d’Anouilh, les deux premiers se retrouvant d’ailleurs dans la personnalité même de Thomas More : d’abord, sa profonde humanité, qui incite à un jeu authentique, intériorisé, incarné. Ensuite, son esprit d’enfance (qui n’a rien à voir avec la puérilité) : il y a des enfants dans la pièce, et les personnages, aussi bien Thomas More qu’Henry VIII ou Cromwell, se réfèrent souvent à l’enfant qu’ils ont été. Enfin, sa mise en abîme de la création artistique, qui fait que le théâtre y est dévoilé, exhibé comme tel, aux antipodes  de toute ambition réaliste, de toute recherche d’illusion théâtrale.

On sait qu’Anouilh avait classé ses pièces en Pièces roses, Pièces noires, Pièces brillantes, Pièces grinçantes, Pièces costumées, Pièces baroques, Pièces secrètes et Pièces farceuses. Il aurait sans doute placé Thomas More ou l’homme libre dans les Pièces costumées, à côté de L'Alouette et de Beckett ou l'Honneur de Dieu. Or, cet appellatif rend bien compte, me semble-t-il, des trois dimensions de l’œuvre :je vais donc partir de là pour les expliciter et présenter du même coup mon parti-pris de mise en scène.

 L’humanité de Thomas More ou l’homme libre.

Des pièces comme l’Alouette, évoquant le destin de Jeanne d’Arc, Beckett ou l’honneur de Dieu, parlant de l’archevêque Thomas Becket de Canterbury, assassiné sur ordre d’Henri II, ou encore Thomas More ou l’homme libre, auraient pu être regroupées sous un autre terme que celui de Pièces costumées : ce sont aussi bien des Pièces historiques, par exemple. Mais l’histoire est associée à un contexte, à un cadre, ce qui implique au théâtre des contraintes de décor, de « couleur locale », comme le préconisait le drame romantique, au détriment parfois peut-être de la simple présence humaine, écrasée par le décorum qui l’entoure. Or, dans ces trois pièces, Anouilh veut surtout mettre en évidence de belles figures humaines, il centre son intrigue sur un héros éponyme autour duquel gravitent les autres personnages, qui ne peuvent le soutenir ou s’y opposer que s’ils sont, comme lui, nuancés, subtils, mais jamais schématiques. Chaque personnage a ainsi son importance, son individualité, qu’il parle beaucoup ou peu,  qu’il soit sympathique comme Margaret, la fille de More, d’une intelligence diabolique comme Cromwell, ou sournois comme Rich. Même Alice More, un personnage plutôt comique dans ses jérémiades, a sa profondeur, dans la mesure où Thomas fait de son épouse la personnification de sa propre conscience morale. C’est ainsi qu’il dit aux Conseillers le remettant en cause : « Vous mettrez treize fois ma conscience en accusation, Messieurs. Elle se défendra devant vous. Et croyez-moi, je la connais, elle est scrupuleuse et fière. Si elle se trouve une seule fois en défaut, elle fera amende honorable. (Il est redevenu souriant.) Sinon, comme Dieu et le Roi ont voulu que ce soit elle qui décide... nous nous inclinerons, vous et moi, devant elle... (Il rit un peu et leur confie :) Vous savez, je n'en fais pas toujours ce que je veux !... Vous êtes mariés, Messieurs, pour la plupart, je ne vous l'apprends donc pas : quand un homme a une ménagère pleine de vertu et de rigueur, il est bien rare, si arrogant qu'il soit dans le monde, qu'il ne file pas doux à la maison. » Plus loin, il fait gentiment remarquer à sa femme : « Ma conscience est comme vous, Alice, une très bonne femme, mais un peu difficile à vivre. » Bien sûr, il y a des personnages superficiels, comme lord Ausley, dont Thomas More dit à sa fille que « c’est un homme charmant. Il passe en dansant au milieu des choses, et il n'est pas mauvais, remarque bien – mais quand il a passé il ne reste rien qu'une trace de parfum dans l'air. Il doit en falloir aussi – pour l'équilibre du monde – puisque Dieu en a fait beaucoup de pareils... Mais c'est avec eux qu'Il a été le plus dur : je crains que cette vallée de fleurs qu'ils traversent ne mène nulle part. » Quelle hauteur de vue prend Thomas More en en parlant, lui donnant de la sorte une profondeur presque métaphysique ! C’est dire que les comédiens ne pourront jamais faire les fantoches, les marionnettes, ni jouer de manière mécanique, caricaturale. Ils devront au contraire incarner leur personnage, dans une interprétation intériorisée et authentique : il y a, dans le théâtre d’Anouilh, et particulièrement dans cette pièce de la fin de sa vie, une profonde humanité qu’il s’agit de respecter et de servir. Peu importe dès lors les décors, la couleur locale, car pour ancrer les personnages dans une époque, les costumes suffiront. Ils n’en sont pas moins nécessaires : comme ce sera parlant, si le Thomas More d’Anouilh ressemble à celui d’Hans Holbein le Jeune, qui en a fait un si beau portrait, en attachant d’ailleurs autant d’importance aux traits du visage qu’au rendu des tissus ! Car, au théâtre plus qu’ailleurs, l’habit fait le moine, et c’est, je crois, dans cet esprit qu’Anouilh appelait certaines de ses pièces « costumées » : il s’agit de pièces où le projecteur est braqué sur les personnages, enracinés dans leur époque, et où le spectateur peut ainsi reconnaître le héros mis en scène, parce qu’il ressemble aux représentations qui en ont été faites.

 Thomas More ou l’homme libre et l’esprit d’enfance.

Il ne nous sera pas possible de conserver la dimension cinématographique de Thomas More ou l’homme libre : il faudrait des moyens que nous n’avons pas. Je l’ai remplacée en insérant des images de portraits et tableaux célèbres contemporains des personnages principaux : il y aura donc de la « peinture dans le théâtre » au lieu de « cinéma dans le théâtre ». Mais j’ai conservé le « théâtre dans le récit » de Rupert, le gendre de Thomas More, et je me suis interrogée sur le sens de ces imbrications de différents langages artistiques. J’y reconnais un procédé cher à Anouilh, celui du « théâtre dans le théâtre ». Dans d’autres pièces, comme La Répétition ou l’Amour puni (1950) ou La Grotte (1961), il l’utilise abondamment. Même dans Thomas More ou l’homme libre, on le rencontre au détour de la dernière conversation entre le père et sa fille : « MARGARET. – J'ai rencontré Master Harry Patterson, l'autre jour – c'était un homme qui vous aimait bien – il m'a demandé tout naturellement : "Et où est votre père ?" Et quand je lui ai répondu : "Toujours à la Tour", il a sursauté, sincèrement je crois, et s'est écrié avec humeur : "Comment ? Mais qu'est-ce qui l'empêche donc de prêter le serment ? Je l'ai bien prêté, moi !" THOMAS MORE rit gentiment. - C'est là un bon mot de comédie ! Un bon mot ingénu, comme les auteurs de pièces n'en trouvent que rarement… » Anouilh aime ainsi montrer du doigt l’artifice de l’écriture théâtrale, en parlant de théâtre – et même de comédie ! – aux moments les plus tragiques. Le cinéma, de même, aurait mis en évidence les artifices du langage dramatique, ce que fait aussi le récit de Rupert. Tous ces redoublements, jeux d’écho, mises en abîme, permettent au théâtre d’Anouilh, et en particulier à sa pièce sur Thomas More, d’échapper à la tentation du réalisme : il ne faut pas vouloir faire « comme dans la vie », ni imiter servilement le personnage dont on répéterait le rôle ainsi qu’un perroquet. L’ambition d’une pièce comme Thomas More ou l’homme libre est plus élevée, et la mise en scène que j’en propose essayera d’être à la hauteur, tout comme, je l’espère, le jeu des comédiens : il s’agit de pressentir et de faire pressentir, en multipliant les approches et langages artistiques, ce qui fait la vérité et la grandeur de l’homme, par-delà tous les masques et faux-semblants que le théâtre, en les exhibant, permet de faire tomber.

Véronique Maas, le 7 juin 2021.